Superestrellas invisibles: Productores

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El trabajo de un buen productor cinematográfico es complejo. Su misión es la de unir todos los elementos que conforman la creación de una película manteniendo el balance entre los intereses artísticos y financieros. Un productor es la persona que tiene la visión de la película desde un comienzo, encargándose de conseguir los derechos de adaptación de libros, obras de teatro u otras películas o de buscar y seleccionar los guiones originales que crea que puedan llegar a ser una buena película. Ellos son los encargados de conseguir el dinero para poder llevar las historias a la pantalla y contratar al director más adecuado  y en conjunto con él hacer el casting y elegir a las personas que se encargarán de los efectos especiales, fotografía, vestuario, diseño de producción, etc.

El productor es además quien tiene que hacer que el presupuesto y tiempo de rodaje se mantengan según lo previamente establecido. Es el encargado de supervisar la postproducción de la película y de asegurar su distribución en las salas de cine. En muchos casos el productor también es el encargado de hacer la promoción de la película y en caso de ser necesario las campañas para conseguir algún premio de la industria. Él es, además, el que tiene que controlar que los egos y personalidades de todos los envueltos en la película no entren en conflicto.

Se puede decir que han sido los productores quienes han hecho que hoy en día Hollywood sea una de las industrias más importantes y reconocidas del mundo, y aunque los nombres de muchos de los productores más importantes de la historia son desconocidos para el público en general, su influencia en el cine como lo conocemos hoy en día es notoria.

Mack Sennett y Charlie Chaplin

Los pioneros

Durante los primeros años del cine estadounidense, el trabajo de los productores se confundía con el del director. Estos primeros años, el director era la persona encargada de casi todos los aspectos de la producción cinematográfica. Durante esa época, fueron muchos los pioneros que abrieron el camino para la creación de una industria cinematográfica estable en Estados Unidos, entre ellos el productor Mack Sennett, quien produjo más de 100 películas durante la llamada Era Silenciosa. A Sennett se le atribuye la creación de la comedia de situación y fue fundamental en la llegada de Charlie Chaplin al cine, al contratarlo para participar en una de sus comedias en 1915. Sennett también fue uno de los primeros en entender el poder del sexo para atraer espectadores. Su serie de cortometrajes “Sennett Bathing Beauties” en la que aparecían hermosas mujeres en sugestivos trajes de baño se convirtió en uno de los fenómenos más exitosos de la época.

Mientras Mack Sennet puede considerarse uno de los pioneros del cine cómico, D. W. Griffith puede ser fácilmente el padre del cine épico estadounidense. Conocido por sus producciones de gran envergadura, Griffith es uno de los responsables en establecer a Hollywood como el sitio más importante en la producción cinematográfica estadounidense. Su trabajo como director y productor de películas como “Birth of a Nation”, “Intolerance” y “Broken Blossoms” le ha valido el reconocimiento de sus pares. Otros personajes importantes de esta época incluyen a William Selig, George Kleine y Siegmund Lubin, algunos de los primeros jefes de estudio en ese país.

D. W. Griffith y “Intolerance”

Si bien durante esta época se habían ya creado pequeños estudios independientes especializados en la producción de cortometrajes, y en menor medida largometrajes, no fue hasta la llegada de Thomas H. Ince que se estableció un verdadero estudio cinematográfico. Con Inciville Studios, Ince fue la primera persona en establecer el concepto de Hollywood como una línea de producción,  fue el primero en agrupar todos las partes de la producción cinematográfica en un solo lugar y el primero en definir el rol del productor desde el punto de vista artístico y financiero, separando su trabajo del director. También conocido como el padre del western,en sus estudios Ince construyó grandes sets que representaban diferentes lugares y épocas, los cuales podían ser usados en cualquier momento agilizando la producción de las películas. Inciville Studios dio paso a una nueva época en la producción de cine, la llamada era de los grandes estudios.

La era de los grandes

Como la Era de los Grandes Estudios de Hollywood se conoce al periodo entre finales de los años 20s y principios de los años 50s, en la que los cinco grandes estudios (Warner Bros, MGM, 20th Century Fox, Paramount y RKO), seguidos de cerca por los tres menores (Columbia, Universal y United Artist), industrializaron la producción de películas en Hollywood. Pero esta también puede ser conocida como la era de los grandes productores, ya que fue la época en la que nombres como Irving Thalberg, Adolph Zukor, Harold B. Wallis, David O. Selznick, Walt Disney, Arthur Freed y Louis B. Mayer se hicieron reconocidos.

Irving Thalberg y “Broadway Melody”

Irving Thalberg es uno de los productores más exitosos e innovadores que hayan pasado por Hollywood. En su corta carrera produjo más de 50 películas para los estudios Paramount y MGM, las cuales fueron en su gran mayoría éxitos de taquilla. Thalberg abrió las puertas de Broadway y el mundo literario a Hollywood produciendo varias obras de teatro, musicales y novelas. Su sistema de trabajo incluía un férreo control sobre todos los aspectos de la producción cinematográfica, especialmente del guión. Hasta esa época era común que los guiones de las películas se fueran escribiendo a medida que avanzaba el rodaje, pero Thalberg estableció que el guion debía estar terminado y pasar por varias revisiones antes de que iniciara la filmación.

Thalberg fue también el primero en usar presentaciones previas de las películas en las que se medía el gusto de los espectadores, llevando en algunas ocasiones a filmar escenas y hacer cambios en el guión durante el proceso de postproducción. Durante su carrera, Thalberg fue nominado trece veces al Oscar a Mejor Película, ganando en tres ocasiones por “The Broadway Melody”, “Grand Hotel” y “Mutiny on the Bounty”. La muerte de Irving a causa de una neumonía cuando solo tenía 37 años dejo un vacío en Hollywood difícil de llenar, pero su legado se mantiene hasta hoy: la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas nombró uno de sus premios más importantes en su honor (ver también: Oscars Honoríficos de 2012)

David O. Selznick y “Gone With the Wind”

Otro joven productor que dejó su huella durante esta época fue David O. Selznick, conocido por películas como “Spellbound”, “Rebecca”, “A Star is Born” pero especialmente por “Gone With the Wind”. O. Selznick inició su carrera como productor en Paramount para luego pasar por RKO y MGM. Sin embargo, su ambición le dio para alejarse de los grandes estudios y formar su propia compañía de producción, Selznick International Pictures, con la cual produjo “Gone With the Wind”. Esta película es quizás uno de los mayores ejemplos del trabajo de un productor: David compró los derechos de la novela de Margaret Mitchell por una cifra récord para la época de $50.000 dólares. Con la compra de los derechos vino la búsqueda de la actriz que interpretaría a la protagonista Scarlett O’Hara, en uno de los castings más largos y famosos jamás realizados, el cual fue aprovechado por O. Selznick para generar interés en la película aun cuando no tenia listo ni siquiera el guión. Durante la producción, decidió cambiar al director George Cukor por Victor Fleming porque no creía que la visión del primero era la correcta para el filme. A pocos días de iniciar la filmación, decidió modificar el guión de la película, encerrándose en su oficina durante 5 días junto a Fleming y Ben Hecht para hacer una versión más comercial de la imponente historia. Estos sucesos y algunos más, además de un muy buena campaña de promoción ayudaron a crear el fenómeno cultural y de taquilla que fue “Gone With the Wind”, todo gracias a la visión y trabajo de O. Selznick.

Pero quizás el productor de esta época que dejó la huella más grande en la historia es Walt Disney.  Como productor, Disney logró reunir a un selecto grupo de animadores conocido como los nueve ancianos de Disney que definieron algunos de los conceptos fundamentales del cine animado que se siguen utilizando actualmente. Con su serie de cortometrajes “Silly Symphonies” y la creación de personajes como Mickey Mouse y el pato Donald, entre otros, Disney dio inicio a la creación de un imperio que se cimentó con la llegada de “Snow White and the Seven Dwarfs” (ver: Las mil y una caras de Blanca Nieves), el primer largometraje animado y la primera película del que sigue siendo conocido como el estilo Disney. Aunque para esta época los estudios Disney estaban lejos de competir con los cinco grandes, con el paso del tiempo el conglomerado Disney los ha sobrepasado a todos.

Walt Disney y “Snow White and the Seven Dwarfs”

No se puede hablar de Disney sin mencionar a Max Fleischer, Fred Quimby y Leon Schlesinger, los otros grandes productores de cine animado de la época. Fleischer, quien dirigía los Fleischer Studios, es el responsable de llevar a la pantalla grande a personajes como Betty Boop, Popeye y Superman. Quimby, por su parte, era el director de la sección de cine animado de MGM, en la cual pudo trabajar de la mano de William Hanna y Joseph Barbera en la creación de Tom & Jerry. Schlesinger, por último, era jefe de animación de Warner Bros y abrió el camino para la llegada de los Looney Toons. Aunque en el campo de los largometrajes animados Disney les ganó la carrera a todos ellos, la producción de cortometrajes fue un campo bastante reñido en el que estos productores se enfrentaron constantemente llevándolos a ampliar los límites del cine animado (ver también: De las Silly Symphonies a The Lost Thing: Un viaje por la historia corta de la animación corta)

En 1948, una decisión de la Corte Suprema de Justicia de Estados Unidos puso fin al monopolio de los grandes estudios y con esto el fin de una era. En este nuevo periodo, la manera de hacer películas al igual que el papel de productor cambiaría de nuevo, aunque manteniendo muchos de los principios establecidos en el pasado.

El Nuevo Hollywood

Con el fin del sistema de los grandes estudios, Hollywood tuvo que adaptarse a una nueva forma de hacer películas. La Corte Suprema de Justicia había tomado una decisión antimonopolio con la cual los estudios dejarían de ser dueños de las productoras y de las salas de cine, como era el caso hasta el momento. Antes de esta decisión, las salas independientes eran obligadas a comprar grandes paquetes de películas para poder tener derecho a proyectar una superproducción. Ahora, los estudios debían vender sus salas de distribución a otras compañías y no podían imponer ese tipo de condiciones a las salas independientes. A esto se sumó la Ley de Havilland en 1940, con el cual los actores dejaban de estar ligados a un estudio y podían participar en las producciones que quisieran (ver también: Olivia de Havilland: La última heredera de Hollywood)

Warren Beatty y “Bonnie and Clyde”

Compañías y productores independientes empezaron a aparecer y el sistema de producción en masa empezó a desvanecerse para dar lugar a una visión más artística conocida como Nuevo Hollywood. Uno de los productores más exitosos de esta época es Warren Beatty: aun cuando para muchos Warren es más conocido por su trabajo como actor y director, se puede decir que con la producción de “Bonnie and Clyde” dio inicio a la era del nuevo Hollywood, puesto que no fue hecha con la ayuda de los grandes estudios sino independientemente, con el productor teniendo que buscar por sí mismo los recursos, los encargados de sets, vestuarios, etc. Otras de sus producciones en esa época son “Shampoo”, “Heaven can Wait” y “Reds”.

Otros productores importantes en esta época incluyen a la pareja formada por Michael y Julia Phillips responsables de películas como “The Sting” y “Taxi Driver”. En 1973 Julia se convirtió en la primera mujer en ganar el Oscar a Mejor Película por “The Sting”. Arthur Freed se había especializado en la producción de musicales en la Edad Dorada de Hollywood y aun después de su final logró mantener vigente este género por un par de décadas mas con películas como “Gigi”, “An American in Paris” y “Singin’ in the Rain”. Por otro lado, Francis Ford Coppola tuvo una seguidilla de éxitos como productor con películas como “The Conversation”, “The Godfather II” y “Apocalypse Now”.

El blockbuster y la era actual.

El Nuevo Hollywood dio lugar a la era del blockbuster, películas de alto presupuesto que buscan atraer la mayor cantidad de público posible y superar récords de taquilla. Dos de los principales exponentes de la producción de este tipo de películas son Steven Spielberg y George Lucas. Estos dos grandes amigos abrieron el camino a películas como “Star Wars”, “E.T”, “Jaws” y la saga de Indiana Jones. Aunque Spielberg divide su trabajo como director con el de productor, su influencia en la manera de hacer las grandes superproducciones actuales es notoria, y si hubiera que nombrar un “padre del blockbuster” no hay duda de que su nombra saltaría a la mente de muchos. Junto a Spielberg trabaja su gran aliada a nivel de producción Kathleen Kennedy, la productora mujer más exitosa de la historia. Spielberg, Lucas y Kennedy lideran a una generación de productores que se han especializado en grandes producciones, como Ron Howard, Brian Grazer, Paula Wagner, Jerry Bruckheimer y J.J Abrams entre otros.

Kathleen Keneddy y “Jurassic Park”

La era del blockbuster también ha coincidido con el renacimiento del cine animado estadounidense, pues a partir de finales de los años 50s este tipo de producciones habían salido del favoritismo del público. Uno de los principales impulsores de este renacimiento fue Roy E. Disney, sobrino de Walt Disney. Roy era el encargado de la división de animación de los estudios Disney a finales de los años 80s, época en la que rodeado de una nueva generación de animadores dio inicio a la llamada Segunda Edad Dorada de Disney. Estos nuevos animadores redefinieron el cine animado basado en cuento de hadas, e incorporaron elementos musicales y las técnicas de animación más avanzadas llevando a varios éxitos consecutivos en los años 90s.

Por otro lado, John Lasseter, quien había creado los estudios Pixar a mediados de los años 70s, dejó el mundo de los cortometrajes para en 1997 lanzar el primer cortometraje animado completamente por computador, “Toy Story”. Con esta película, Pixar y Lasseter iniciaron una secuencia de éxitos de cerca de dos décadas que lo pusieron como uno de los productores más exitosos de la historia. Esta época también vio el nacimiento de los estudios Dreamworks de Steven Spielberg y Jeffrey Katzenberg, los cuales han logrado un gran éxito con la producción de películas animadas y se han convertido en los principales competidores de Pixar.

Jeffrey Katzenberg y “Shrek 2”

Alejados de los blockbusters, las últimas dos décadas han sido testigas del trabajo de productores independientes que han buscado rescatar historias menos estrafalarias y encontrado un público fuerte para ellas. Los hermanos productores Harvey y Bob Weinstein son, sin duda alguna, los principales exponentes de este movimiento. Estos hermanos crearon a finales de los 70s el estudio Miramax, el cual se especializó en la producción y distribución de películas independientes y extranjeras, logrando varios éxitos de taquilla (aunque, claramente, no al nivel de los blockbusters) y convirtiéndose en los máximos exponentes del boom del cine independiente americano en los 90s, y dándole la primera oportunidad a autores como Quentin Tarantino.

Al salir de Miramax en 2005, los hermanos Weinstein fundaron The Weinstein Company, con la cual han continuado una tradición que iniciaron a finales de los 90s y que modificó para siempre la manera en que se juega por ganar un Oscar. Con las campañas más agresivas jamás vistas, los Weinstein lograron conseguir nominaciones para varias películas que nadie creía posibles. Lobby intenso y estrategias calculadas para maximizar las posibilidades de sus películas son algunas de las herencias no tan apreciadas por algunos cinéfilos que los Weinstein han dejado a sus compañeros productores, logrando ganar el Oscar a Mejor Película los últimos dos años.

Harvey Weinstein y “Shakespeare in Love”

Actualmente, en el caso del cine norteamericano, el Sindicato de Productores (PGA) asocia y reglamenta la actividad de estos individuos y es el encargado de arbitrar sobre las funciones y tipo de crédito que debe recibir cada persona asociada con trabajos de producción en una película. Durante los créditos de una película es muy común observar una lista de varias personas que reciben títulos como productor, productor ejecutivo, asistente de producción, entre otros, y aunque sus trabajos puedan sonar muy parecidos, las funciones que cumplen son muy diferentes y bien definidas.

Las personas que aparecen bajo el crédito “Producido por:” o “Produced by:” son quienes tuvieron la visión de la película desde un principio y cumplieron con la mayoría de las funciones de un productor. Este es el crédito más importante dentro de una producción cinematográfica a tal punto que son estas personas quienes reciben el Oscar a Mejor Película.

El segundo cargo en jerarquía es el de los co-productores, quienes tienen como tarea supervisar toda la logística durante la preproducción, rodaje y postproducción. Todos los jefes de los distintos departamentos responden ante ellos sirviendo de enlace entre el set de grabación y el productor. Por otro lado están los productores ejecutivos (executive producers), quienes son personas que han aportado algún tipo de financiamiento a la película o participaron de la producción de la misma en algún momento específico en el que se les necesitó, como asegurar los derechos de una adaptación.

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