Top 50: Las mejores películas de la década, hasta ahora (50-31)

Estamos ya en la mitad de la década y es momento de volver la mirada a lo que el cine nos ha dado en estos últimos cinco años. En una era en la que, como nunca en la historia, hay más y más secuelas y re-makes en Hollywood, con una evidente sequía creativa, algunos directores han encontrado maneras de mostrarnos que el cine sigue vivo, que, aunque las historias no son infinitas, sí lo son las formas de contarlas, y que es momento de aprovechar la conectividad que tenemos con personas de todo el mundo para adentrarnos en otras formas de cine y otras visiones de mundo.

Nuestro top 50 de lo mejor de la década hasta ahora hace una vuelta al mundo (con una inevitable predominancia del más relevante productor de cine, EEUU), por distintos géneros y medios. Estas son las películas que nos han hecho soñar en estos cinco años.

#50

interstellar

“Interstellar”
(Christopher Nolan; EEUU)

Con cada película, Christopher Nolan ha buscado hacer las cosas más y más grandes. Una pequeña pero impresionante “Memento” fue seguida de la inmensa trilogía de “The Dark Knight” y la asombrosa “Inception”. Pero el impulso épico de Nolan no había acabado: su odisea épica, “Interstellar”, acerca de un ex piloto que encuentra junto a su hija un cuartel secreto de la NASA en un futuro próximo en el que la comida escasea, y se embarca en una misión a través del espacio-tiempo buscando planetas habitables en otra galaxia, llegó en 2014, y con ella viajamos por el universo con algunas de las imágenes del espacio más impactantes de la historia del cine, pero con una muy emotiva y humana relación de un padre y su hija en el núcleo. En “Hugo” de Martin Scorsese, Georges Méliès decía que en un set de filmación es donde se construyen nuestros sueños. Nolan se lo tomó muy en serio.

#49

WHERE DO WE GO NOW

“Where Do We Go Now?”
(Nadine Labaki; Líbano)

Un grupo de mujeres camina por el árido desierto libanés. Sus rostros reflejan el dolor de sus almas, mientras sus cuerpos siguen una hipnótica coreografía y la narración de fondo nos indica que la historia que vamos a ver, es la de mujeres vestidas de negro, que sin estrellas brillantes o flores hermosas hicieron de la valentía su mayor virtud. “Where Do We Go Now?” muestra los traumas que la guerra civil libanesa género en las pequeñas comunidades en donde cristianos y musulmanes conviven diariamente. Nadine Labaki explora un universo de mujeres que quiere aislarse por completo del conflicto que se avecina y mantener a toda costa la tranquilidad que tanto les costó conseguir. Una historia de resistencia que se convirtió en una de las mejores películas dirigidas por una mujer en lo que va de la década.

#48

the artist is present

“Marina Abramovic: The Artist is Present”
(Matthew Akers, Jeff Dupre; EEUU)

Durante tres meses, Marina Abramovic se sentó siete horas diarias para mirar a los a cada una de las cientos de personas que pasaron por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) para ser parte de The Artist is Present. Esta era la más reciente performance de una de las artistas más revolucionarias del arte contemporáneo. Los directores Akers y Dupre siguieron a Abramovic durante los meses previos al montaje de su obra la cual incluía también una retrospectiva de toda su carrera. Durante todos esos meses de trabajo ambos directores lograron explorar la personalidad de la artista, conociendo su pasado, sus motivaciones artísticas y su lado más sensible. En un momento de sinceridad Abramovic reconoce estar cansada de ser vista como un artista alternativa y que quiere recibir los reconocimientos que merece por su trabajo y quizás este documental sea uno de los mayores reconocimientos a su larga y exitosa carrera, y uno de los mejores de los últimos cinco años.

#47

inside llewyn davis

“Inside Llewyn Davis”
(Ethan y Joel Coen; EEUU)

Las mentes detrás de “No Country for Old Men” y “A Serious Man” nos presentaron en 2013 una visión sombría del mundo artístico a través de Llewyn Davis, una de las tantas promesas de la música que busca salir adelante durante un frío invierno en la Nueva York de los 60s. Honesta, conmovedora y con el humor negro que caracteriza a los hermanos Coen, “Inside Llewyn Davis” es una reflexión sobre los obstáculos auto-inflingidos y la arbitrariedad de la vida, y es también una excelente compilación de clásicos de la música independiente estadounidense

#46

13 master

“The Master”
(Paul Tomas Anderson; EEUU)

Un viaje psicológico en el cuerpo de Freddie Quell (Joaquin Phoenix) por la guerra, la posguerra y el encuentro con un grupo fanático religioso fue la apuestsa de Paul Thomas Anderson en 2012 para regresar después del enorme éxito que tuvo en 2007 con “There Will be Blood”. “The Master” es una de esas películas que está destinada a ser estudiada y analizada en los años venideros, una exploración de la mente y la espiritualidad humana a través de dos complejísimos y ambiguos personajes interpretados magistralmente por Joaquin Phoenix y el fallecido Philip Seymour Hoffman.

#45

uncle boome

“Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives”
(Apichatpong Weerasethakul; Tailandia)

La década comenzó con esta extraña película ganadora de la Palma de Oro en 2010, una historia abierta a todo tipo de interpretaciones, con ideas difusas y con una marea de símbolos y sucesos con tres temas íntimamente ligados: la pérdida de la sacralidad que rodea las tradiciones tailandesas, una transformación en la relación con la naturaleza de quienes creen en la transmigración del alma y una desvalorización de lo propio en una sociedad que se está occidentalizando cada día más–todo a través de una no muy clara historia sobre un anciano que es visitado por fantasmas en su lecho de muerte. “Uncle Boonmee” es un verdadero descubrimiento cinematográfico.

#44

006 x men

“X-Men: Days of Future Past”
(Bryan Singer; EEUU)

Al principio del siglo XXI, “X-Men” de Bryan Singer cautivó a críticos y espectadores en lo que marcaría el resurgimiento de las películas de superhéroes. Gracias a la mezcla perfecta de drama, humor y acción conseguida por Singer, las dos primeras películas de la saga X-Men se cuentan dentro de las mejores producciones del género. El encanto de esas dos primeras películas regresa, de la mano de Singer, a “X-Men: Days of Future Past”, quizás la mejor producción de toda esta saga. Con un elenco que incluye a los actores más veteranos de estas películas y al nuevo reparto introducido en “X-Men: First Class”, Singer creó una de las películas de superhéroes más complejas de los últimos años. “Days of Future Past” es una película entretenida que puede ser disfrutada por los fanáticos de los cómics y por espectadores más despistados, de igual manera. En una década en la que el cine de superhéroes ha saturado la gran pantalla con pocos buenos resultados, “X-Men: Days of Future Past”,  sirvió para recordarnos que los superhéroes y el cine pueden ser una combinación perfecta.

#43

Jose E Pilar

“Jose e Pilar”
(Miguel Gonçalves Mendes; Portugal)

A principios de esta década, el mundo literario vio la pérdida de una de sus grandes voces, el premio Nobel portugués José Saramago. “Jose e Pilar” es una mirada a la vida privada y al proceso creativo de Saramago en los últimos años de su vida, mientras escribía su novela “El Viaje del Elefante” y se preparaba para afrontar la muerte. Este también es un retrato de su relación con Pilar del Rio, musa, esposa y traductora, que ha influenciado en gran medida su trabajo.

#42

The Adventures of Tintin

“The Adventures of Tintin”
(Steven Spielberg; EEUU)

En 2011, dos titanes se unieron para traer a la pantalla grande una de las historias más queridas por los niños en todo el mundo: Tintín. Steven Spielberg como director y Peter Jackson como productor pusieron en marcha toda la imaginación que ha caracterizado a las mejores de sus películas y nos regalaron una experiencia fílmica con momentos brillantes y un sentido de aventura pura. A nivel técnico, “The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn” fue también una maravilla, avanzando la técnica del motion capture y mostrando que la genialidad de un director como Spielberg (basta ver la escena de la persecución en Marruecos) puede encontrar un medio para su realización en la animación.

#41

leviathan

“Leviathan”
(Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel; Reino Unido)

“Leviathan” es una de las producciones más osadas en lo que va de la década. Un conjunto de imágenes y sonidos obtenidos en un barco pesquero que no siguen ninguna narrativa ni línea de tiempo y cuyo único objetivo es mostrar la crudeza de la lucha entre el hombre y la naturaleza. Los directores de este documental utilizaron pequeñas cámaras digitales ubicadas en todos los rincones del barco; estas cámaras permitieron capturar imágenes asombrosas que van desde un grupo de gaviotas acompañando la faena, hasta el trabajo casi mecanizado de los hombres encargados de obtener la pesca del día. “Leviathan”, más que un documental, es un experimento cinematográfico en el que las imágenes reemplazan la narrativa.

#40

blue is the warmest

“Blue is the Warmest Colour”
(Abdellatif Kechiche; Francia)

La conmoción en el festival de Cannes de 2013 llegó por cuenta de Abdellatif Kechiche y sus dos protagonistas, Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux, con una sencilla historia de amor entre dos mujeres que en sus manos se sintió épica y definitoria. “Blue is the Warmest Color” nos llevó de la duda al enamoramiento, de la felicidad a la rabia y del rencor a la tranquilidad en espacio de tres horas, perdidos en la calidez de sus personajes, y con una fuerza que reside en el naturalismo de la historia y de las actuaciones.

#39

pina

“Pina”
(Wim Wenders; Alemania)

En “Pina” el baile y el cine se convierten en experiencias audiovisuales diseñadas para que el espectador se conecte y pase a ser parte fundamental de lo que se quiere mostrar.  Wenders trabajó de la mano de la coreógrafa Pina Baush para  llevar al cine sus trabajos más famosos, pero en el camino Baush falleció a causa de cáncer convirtiendo a “Pina” en un réquiem para esta talentosísima mujer. Wenders hizo en “Pina” uno de los usos de 3D más llamativos de la década hasta el momento (junto con Jean-Luc Godard y “Goodbye to Language”, Werner Herzog y “Cave of Forgotten Dreams” y Martin Scorsese y “Hugo”), logrando que el baile adquieriera una nueva profundidad. Intercalando montajes de baile y pequeños testimonios de quienes conocieron a Baush, Wenders muestra todo el talento de una mujer que revolucionó el mundo de la danza

#38

Elizabeth Olsen en Martha Marcy May Marlene

“Martha Marcy May Marlene”
(Sean Durkin; EEUU)

Con un pulso firme y un ritmo único, Sean Durkin logró en 2011 uno de los mejores debuts directoriales de la década en este sutil y lento pero terrorífico relato de persecución, ansiedad y nerviosismo, en el que una mujer (interpretada a la perfección por Elizabeth Olsen) busca huir de su pasado. Durkin logra adentrarse en la fragmentada mente de su personaje y la conduce a un final espeluznante. El siguiente proyecto de Durkin, “Janis” se encuentra en desarrollo, mientras que Olsen ha encontrado cada vez más y más proyectos después de su reveladora actuación en esta película.

#37

Toy Story 3
“Toy Story 3”
(Lee Unkrich; EEUU)

La política de Pixar en contra de las secuelas durante sus primeros años se convirtió en parte fundamental de su éxito, por lo que ya en 1999 había tenido problemas para justificar la existencia de “Toy Story 2”. El éxito contundente de “2” calló las voces que llevaban la contraria. Una situación similar se vivió en 2010, cuando muchos conocedores veían en “Toy Story 3” el final de la racha creativa de Pixar; sin embargo, esta película solo sirvió para confirmar el poder de los personajes que había sido creado más de una década atrás. “Toy Story 3” se convirtió en uno de los mayores éxitos de taquilla y crítica en lo que va de la década, un testimonio del imperio creativo que habían creado John Lasseter y sus colaboradores hace casi tres décadas, y una de las películas más cálidas de la década.

#36

pieta

“Pieta”
(Kim Ki-duk; Corea del Sur)

La vida de un cobrador de préstamos violento se verá trastornada cuando su madre regrese después de haberlo abandonado muchos años atrás, intentando rescatar lo poco de humanidad que aún queda en él. “Pietà” es una película cruda y violenta, tan conmovedora como terrorífica. El merecido León de Oro en el Festival de Viena que Kim Ki-Duk ganó en 2012 por “Pieta” es un reconocimiento a su talento como uno de los mejores exponentes del cine surcoreano que desde hace unos años viene haciéndose su lugar en el cine internacional, y reconocido por engendrar algunos de los mejores thrillers modernos. Entre ellos, sin duda alguna, hay un espacio para “Pieta”.

#35

Pequeñas Voces

“Pequeñas Voces”
(Jairo Eduardo Carrillo y Óscar Andrade; Colombia)

¿Cómo contar las historias de los niños en la guerra? En un país que ha encontrado mil y una maneras de contar su guerra interna, quizás la más conmovedora y original haya estado en manos de Jairo Eduardo Carrillo y Óscar Andrade, que tomaron los propios relatos y dibujos de los niños para elaborar a partir de ellos un documental animado efectivo y ambicioso en su sencillez, y dándole una prelación sin precedente a la posición de los niños en el conflicto armado. Aunque pasó casi desapercibida por las salas de cine, “Pequeñas Voces” inauguró, en 2010, una década que ha encontrado al cine colombiano cada año con más y mejores películas.

#34

force majeure

“Force Majeure”
(Ruben Östlund; Suecia)

Unas vacaciones familiares esquiando en los Alpes franceses se convierten en una pesadilla para una familia sueca de catálogo. Y se convierte en una pesadilla no por algún desastre natural, o alguna tragedia deportiva, sino por algo mucho más simple: una reacción instintiva. En “Force Majeure”, unos cuantos segundos son suficientes para impulsar una crisis en la que la naturaleza del instinto y de los roles de género se verán cuestionados una y otra vez, tanto de manera verbal como por las acciones de los personajes, en una de las películas más inteligentes de 2014.

#33

005 Nynphomaniac

“Nymphomaniac Vol 1”
(Lars von Trier; Dinamarca)

Más allá de toda la controversia generada, “Nymphomaniac Vol 1” no es más que la historia de una mujer en busca de su propia identidad. Dividida en varios capítulos y cargada de muchas metáforas, esta película cuenta la vida de Joe, una autodiagnosticada ninfómana que desde muy pequeña descubrió en la sexualidad un arma y un escudo para superar los problemas de su vida. Este es quizás uno de los mejores guiones en la carrera de von Trier, en el que cada metáfora es usada de manera perfecta para avanzar la historia y ahondar más en las motivaciones de los personajes. Gran parte del éxito de esta película se debe a sus dos protagonistas Stacy Martin y Charlotte Gainsbourg quienes se acomodan a toda las complejidades de interpretar a Joe. Aunque el poderío de “Vol. 1” no se traslada al “Vol. 2”, esta primera parte es un testamento al talento y la visión de von Trier, cuya carrera nos ha entregado filmes tan disímiles como “Dogville” y “Antichrist”.

#32

Holy Motors

“Holy Motors”
(Léos Carax; Francia)

“Holy Motors” es quizás una de las películas más experimentales y desquiciadas en lo que va de esta década. A grandes rasgos, es la historia de un hombre que debe completar diferentes citas durante el día, en las que asume nuevas personalidades. Léos Carax ha hecho una película que en la superficie está loca, pero cuya locura es en realidad calculada, convirtiéndose en un ensayo post-moderno sobre la actuación cotidiana y la identidad múltiple de los seres humanos. Esta es un película destinada a convertirse en uno de esos clásicos de culto que es redescubierto cada cierto tiempo, para ser estudiado y analizado por nuevas generaciones de cinéfilos.

#31

boyhood

“Boyhood”
(Richard Linklater; EEUU)

Hay un principio que dice que entre más específica es una historia, más universal se vuelve. “Boyhood” es su viva prueba. Gracias al ingenio de Richard Linklater, en “Boyhood” seguimos a una familia—un niño, su madre, su hermana y su padre—mientras crecen durante doce años (filmados durante doce años), toda una apología a la sencillez de la infancia, y una exploración de las preocupaciones más profundas que nos aquejan a todos. A partir de esa pequeña y nada grandiosa familia americana, Linklater demostró en 2014 que es uno de los mejores entendedores de la condición humana en el cine, y nos dejó para la posteridad un experimento fílmico que difícilmente se repetirá.

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